Elaine y la dama de Shalott (3ª Parte)

Quizás el poema más famoso de Alfred Tennyson sea el de La carga de la brigada ligera, en el que se narra como seiscientos valientes lanceros cargan contra una posición fija de artillería a través de lo él denominó el valle de la muerte (esta heroica batalla ocurrió durante la guerra de Crimea, y realmente pocos fueron los lanceros que vivieron después para contarlo). Pero existe otro poema también bastante famoso que a él le pertenece, y es La dama de Shalott. ¿Y de qué va la dama de Shalott se preguntarán? O lo pregunto yo y me respondo yo, que es más o menos lo mismo. Pues bien, el poema habla de una dama que está encerrada en una torre víctima de un hechizo y sitúa esta historia también dentro del mito artúrico. Si han leído la segunda parte de esta serie de posts me imagino que ya les será fácil tirar del hilo.

La dama de Shalott en realidad no deja de ser una versión que hace Tennyson del mito de Elaine y Lanzarote. Tennyson cuenta que esta bella dama ha sido maldecida a mirar el mundo de Camelot únicamente a través de un espejo. Y ella dedica su tiempo encerrada a tejer las hazañas que acometen los Caballeros de la Mesa Redonda en hermosos tapices mientras sus labios se abren para dejar paso a una canción (encerrada como Danae en la torre donde lloverá oro, o igual de tejedora que Aracne que tejió en un tapiz con la creación, o con la misma sonoridad de la melodía de las sirenas que tentaron a Ulises). Los campesinos de la zona nunca llegan a ver a esta misteriosa dama, y lo único que perciben es el sonido melancólico de su melodía, y llegan a identificar su canción como la pronunciada por una hada.

Un día la dama de Shalott descubre a través del espejo la figura del caballero más noble y más hermoso que jamás ha visto, éste es de nuevo como supondréis: Lanzarote. Y ella al igual que Elaine –que de hecho de ahí arranca esta historia- se enamora irremediablemente de él. Y esa condenada curiosidad femenina cuyo castigo se repite también una y otra vez a lo largo de numerosas leyendas, hace que ella no puede evitar que sus ojos miren directamente a través de la ventana hacia Camelot, sin mediación del espejo. Al momento, la lámina se quiebra en múltiples cristales, e inmediatamente sobre ella cae la maldición del hechizo al que estaba condenada (y sus efectos lamentablemente son bastante peores que los acostumbrados siete años de mala suerte).

Ella sale corriendo de la torre y coge una barca para dirigirse hacia el castillo de Camelot, pero cada segundo que pasa juega en su contra, porque la muerte avanza igual de rápida apoderando de su cuerpo, y cuando acabe su viaje hasta las orillas de Avalon, ella ya yacerá sin vida sobre la barca.

Han sido varios los pintores que se han inspirado en esta leyenda, pero como ya dije en una entrada anterior, hay uno que sobresale sin duda sobre los demás y me estoy refiriendo al el inglés John William Waterhouse.

En realidad son tres cuadros los que este pintor prerrafaelista realizó inspirándose en esta leyenda ("The Lady of Shalott"(1888) "Lady of Shalott. Looking for Lancelot" (1894), y "I am half sick of shadows, said the Lady of Shalott" (1915)).


John Waterhouse -The Lady of Shalott-

De entre las tres, ésta pintura sin duda es la más conocida, y es una obra cargada de romanticismo victoriano que produce un efecto especial al que lo contempla, de alguna manera también enamorando -como si algo del hechizo aún perdurara- a la mayoría de los visitantes de la Tate Gallery de Londres, lugar donde se exhibe actualmente.

Mujer mirando por la ventana

Siguiendo el libro de Sábato no me resisto a aprovechar la ocasión para colocar uno de los cuadros que a mí más me fascinan. En El túnel Juan Pablo Castel pinta un cuadro en el que hay una mujer mirando al mar a través de una ventana. El cuadro lleva por título Maternidad, y es este en cierta manera la excusa para que Juan Pablo Castel se acabe enamorando de María Iribarne (se me ocurre que podríamos hablar del cuadro como una especie de McGuffin hitchconiano en el arte del enamoramiento).

Desde luego la imagen de una mujer contemplativa me parece que tiene mucha fuerza estética que la de un hombre, quizás porque el rol masculino esté menos azotado por esa extraña melancolía que a veces nos atraviesa. Si en un cuadro vemos a un hombre mirando a través de una ventana, quizás hasta lo acusaríamos inconscientemente de blandengue. Simbólicamente y en clave feminista, quizás esa mirada perdida en el horizonte sea una forma de liberarse de la mujer de el espacio recluido que representa el mundo cerrado de un hogar. Pero hay que ir por eso con cuidado con las mujeres que miran mucho las ventanas, porque pueden acabar derivando en este otro tipo de mujeres. ;P

Pero son muchos los cuadras en cambio que han pintado a mujeres mirando a través de una ventana (quizás porque históricamente el mundo de arte ha sido dirigido por hombres que pintaban a mujeres o porque culturalmente nos hemos convencido a lo largo de la historia que un cuerpo femenino es mucho más bello que uno masculino). Pero me estoy liando ja,ja mejor me vuelvo tras mis pasos…

Uno de los cuadros más famosos de una mujer mirando a través de una ventana es este de Dalí, pero sin duda el que mí más me fascina es el de La lavandera de Henri Toulouse-Lautrec donde aparece la hermosa pelirroja Carmen Gaudin, musa, lavandera y prostituta ocasional.



Me encantan esos mechones anaranjados que caen por su cara dejando ver solo su perfil, que deja entrever una piel casi nívea y el principio de un cuello de cisne. Y es que me gustan esas pieles blancas que invocan una especie de poder virginal y nunca comprenderé ese culto de algunas personas a las sesiones continuas de rayos uva (esa nueva moda que es la tanorexia).

Desde luego no soy el único que ha quedado fascinado por este cuadro, solo hay que ver que la última vez que se subastó, alcanzó en la puja la cifra astronómica de 22,4 millones de dólares (unos 18,6 millones de euros).

Vamos, el cuadro sin duda es bueno, pero tengo la impresión que los coleccionistas se pasan inflando los precios…. Habría que ver que cara pondría ese joven que las crónicas de la época describen como deforme que fue Henri Toulouse-Lautrec, si él supiese a cuanto se cotizan hoy en día sus cuadros, él que pasó su vida en la bohemia francesa de los cabarets, rodeado siempre de alcohol y prostitutas.

Cuadros de Alfredo Palmero de Gregorio

Iba yo de camino ayer a la Pedrera (tralarí, tralará) para asistir a una conferencia de Julian Barnes, pero como llegaba demasiado pronto me desvié al ver algo de bullicio en la sala de exposición que hay en la calle Rosellón que tiene la casa de subastas Lamas Bolaño.

Una vez dentro de la sala, me dí una vuelta viendo cuadros, antigüedades y objetos de arte de toda clase, desde cuernos de marfil tallado por los que cualquier chino hubiera empeñado hasta su horóscopo, hasta anillos de boda de hace varias décadas por el que cualquier novia cadáver hubiera dado su más preciada falange . Pero sin duda lo que más me llamó la atención fue un cuadro de Barcelona de corte impresionista que firmaba un tal Palmero, y que salía a precio de subasta creo recordar por unos 1.500 euros.


Alfredo Palmero de Gregorio –Rambla de Santa Mónica-
(La Rambla de Santa Mónica es el trozo de las Ramblas que queda por encima de Drassanes, se puede ver desde ahí la Torre Jaume I del puerto, mientras que la estatua de Colon queda desde esta perspectiva tapada por los árboles).

No era el único cuadro que había del tal Palmero, sino que éste parecía haber vivido en la bohemia de París, porque un par de cuadros más atestiguaban su paso por la ciudad de la Luz.

He buscado algo de información en Google para confirmar los datos y así he comprobado que ese pintor era Alfredo Palmero de Gregorio (apodado Maestro Palmero) discípulo de Sorolla, que nació en Almodóvar del Campo (Ciudad Real) en 1901, pero que pasó la mitad de su vida viviendo en Barcelona, donde acabó muriendo un 5 de marzo de 1991.

Éste es el típico caso que me sorprende porque parece un pintor muy arraigado a ciudad condal, y apenas encuentro información de ninguna clase sobre él por la red (de hecho el Maestro Palmero forma parte de toda una saga de pintores donde todos ellos han acabado residiendo en Barcelona). Queda por eso un poquito de esperanza para la cultura; existe un Museo en Barcelona en la Vall d’Ebrón situado en una Masía (Torre Figuerola) que queda algo anacrónica al estar rodeada por edificios de corte moderno, pero es justo ahí donde se encuentra un buen acopio de joyas pictóricas. El Museu Palmero está a cargo de la familia, y creo que lo atiende su nieto –también pintor reconocido- de homónimo nombre: Alfredo Palmero.


Alfredo Palmero de Gregorio –Las Ramblas y Celia-
(en el cuadro se percibe que en Barcelona ha caído una gran nevada, y en primer plano vemos aparte de la mujer, a la típica castañera, y de fondo la estatua de Colón).

El Museo entre otras muchas maravillas de pinturas y objetos de toda clase, tiene una serie de pinturas especialmente dedicada al Quijote de Cervantes; además de un curioso fresco en el que se representa el nacimiento del escudo de Catalunya, y como colofón, una cueva en la que la leyenda dice que el bandolero Joan de Serrallonga utilizaba para huir a la montaña del Tibidabo.

Desde luego yo me he quedado con ganas de visitarlo, y a la que pase por ahí un fin de semana seguro que haré una paradita en este museo.

• Adreça: C. DE JUDEA, 2
• Dies de visita: Dissabte matí, Diumenge matí
• Horari: Dissabte i diumenge de 11 a 14 h
• Com arribar-hi: Metro: L3, L5 (Vall d’Hebron)

Aquí una bloguera que parece que le gusta eso de pasearse por los mejores rincones de Barcelona ha colgado unas cuantas fotografías del museo.

* Si uno va a Almodóvar del Campo también puede encontrar otro museo Palmero que alberga la colección privada del pintor.

Otra vez Santuario

Retomo mi lectura de Santuario de William Faulkner para plantear una duda, y por si alguien con algo de conocimiento sobre la obra de Faulkner, sabe la respuesta, o al menos tiene una teoría al respecto.

Quizás el mayor interrogante que me surgió tras la lectura del libro es el por qué de este título. No recuerdo en ninguna página que se hiciera referencia a la palabra “santuario” clara o velada, y puestos a analizar simbólicamente tampoco veo demasiado claro el asunto.

He buscado por Internet a ver si alguien había respondido esta pregunta, y ¡fracaso! Ni he encontrado respuestas, y ni tan siquiera a otras personas que plantearan la misma duda –como a veces pasa-. De lo que deduzco que Santuario no debe ser un libro demasiado leído entre los lectores hispanos; también deduzco que mi inglés solo me da para hacer búsquedas superficiales en la red del “follow me” (aunque eso ya lo sabía). Quizás haya alguna edición donde el prólogo se explique este asunto, o quizás al menos haya algún lector que tenga las ideas más claras que yo al respecto.

Si busco las distintas definiciones que da la enciclopedia sobre la palabra santuario me encuentro con:

santuario s. m.

1. Templo o lugar sagrado donde se venera la imagen o la reliquia de un santo, una divinidad o un espíritu de los muertos o de la naturaleza; generalmente está situado en un lugar apartado fuera de la población y constituye un lugar de peregrinación.

2. Lugar donde se goza de impunidad y que se usa como refugio: ese barrio es el santuario de los ladrones.

3. Lugar seguro y secreto que se defiende a toda costa.

Vayamos a mis distintas hipótesis que se me ocurrieron al leer el libro (antes de que pasen más días, y se me olvide parte del runrún de mi mente)

Santuario…

1)¿Es el ése lugar donde se destila alcohol ilegal y parece que tiene cerca un manantial la representación de ese santuario? Como un lugar apartado de la represión de le controvertida ley seca; un lugar donde la gente acude en “peregrinación” para conseguir alcohol.

2)¿Es el propio personaje Horace Benbow una especie de santuario del alma humana, una persona dispuesta a ayudar a los demás sin pedir nada a cambio, distinto a esa ciudadanía mojigata e hipócrita que le rodea.

3)¿Es la violación de la joven Temple Drake lo que constituye simbólicamente como una especie de profanación deleznable de un santuario?

4) ¿Es la justicia lo que debería ser un santuario y no lo es? Donde es habitual que actos delictivos queden impunes, mientras que por el contrario a veces se acaba condenando a inocentes por actos que no han cometido.

Cuando terminé el libro me puse a pensar que era para mí un santuario, y siempre lo he imaginado como un lugar que permanece inmaculado al sucio mundo en el que vivimos, por supuesto, también es un lugar abierto a la esperanza.

Hay algunas referencias que me vienen claramente a la mente cuando pienso en un santuario:

- Me acuerdo del jorobado de Notre Dame cuando acude presto a tocar una campana de la iglesia al grito de: ¡Santuario! ¡Santuario! Lo que recuerdo es una versión cinéfila, y no sé si en alguna de las páginas de Nuestra Señora de París de Víctor Hugo, aparecerá el pasaje tal como lo cuento.

- Imposible no recordar esa gran película de la que también se hizo una serie, clásico de la ciencia ficción, llamada La fuga de Logan, del director Michael Anderson, y basada en un libro hecho a dos manos por los escritores William F. Nolan y George Clayton Johnson. En el que en un futuro diatópico de una sociedad que vive bajo tierra todos tenemos un reloj vital en la muñeca, que cuando se ilumina con una luz roja –a los treinta años- es el momento de acudir al llamado “Carrusel” y poner fin a sus jóvenes vidas. Logan que es previamente uno de esos policías encargados de mantener el orden (un caso semejante al de Fahrenheit 451) se revelará junto a una chica y se escaparan de la ciudad, bajo la promesa de encontrar en el mundo exterior un lugar al que algunos denominan como “El Santuario”. Gran escena cuando consiguen llegar al ansiado santuario y éste no es más que un lugar en ruinas en el que solamente vive un viejo con la compañía de numerosos gatos.

-Y mi otra referencia especial es la calle Santuario situada en la falda del Carmelo a la que uno llega después de hacer una inclinada subida. Llega justo a la ermita que ahora si no me equivoco queda junto a la nueva iglesia de Nuestra Señora del Carmen que construyeron allá los arquitectos Francesc de Paula Daumal i Domènech y Miquel Campos Pascual, de piedra granate y de un aspecto tan moderno como extraño.



La siguiente acuarela hecha por le pintor Eduardo Vicente representa justo ese cruce en que uno sube por la C/Calderón de la Barca como si la inclinada cuesta fuera alguna rara metáfora de su lectura y llega justo al comienzo del Carrer Santuari donde corta con el Carretera del Carmel.



Es curioso porque si uno va para un lado u el otro, se escoge ir hacia el Turó de la Rovira o hacia el Monte del Carmelo, si se va hacia el turó de la Rovira y se sube hasta arriba se pueden ver los restos de una batería antiaérea con una buena visión de Barcelona y si por el contrario se va hacia el Monte Carmelo uno también se encuentra con otros tantos buenos miradores (aquí ya puse una foto de hace unas cuantas semanas).

Un post más y ya creo que cierro este ciclo (aunque no será el siguiente)

Dos latinajos que no te salvarán la vida...

La guitarrista de Julio Romero de Torres



Nihil sub sole novum: no hay nada nuevo bajo el sol.

Nihil est qui nihil amat: nada es quien nada ama.

Nota: Me da que estoy escuchando últimamente demasiado a Xoel López (que es como estar escuchando Vetusta Morla pero con dos vueltas más de romanticismo). ¡Atlántico es un disco fabuloso!

Judith, la heroína de Betulia

La historia de Judith en la Biblia, quizás no es de las más conocidas por la gente de la calle, pero sí históricamente ha tenido una continua presencia dentro del mundo artístico, seguramente debido tanto a su carácter violento, como a que la protagonista activa de la escena es una bella mujer, lo que tampoco se da con demasiada frecuencia en los pasajes bíblicos.

He revisitado esta historia, porque estaba investigando sobre la única obra que Mercedes Salisachs ha hecho para el teatro: La heroína de Betulia, que según parece no tuvo demasiado éxito entre la crítica, y que la apartó de la dramaturgia para dedicarse de lleno a la literatura (pero este hecho me parece bastante curioso por varias razones y como narrarlo merecía un espacio que aquí se hubiera hecho extremadamente largo, he decidido dejarlo para el siguiente post, y colocar éste antes, en el que hablo de Judith y Holofernes, a modo de presentación).

El libro de Judith es uno de los libros que componen la Biblia católica, la historia que se cuenta allí es como el pueblo judío estaba siendo cercado por el ejército asirio que mandaba el general Holofernes (en realidad el pasaje cuenta con varios errores históricos y los estudiosos dicen que en realidad el ejercito de Holofernes debió ser babilónico). Holofernes sitia la ciudad de Bethulia, cortando el suministro de agua -¡qué curioso precisamente ahora son los palestinos a los que los judíos les niegan los pozos de agua!, y cuando el pueblo está agotado y a punto de rendirse, entra en escena Judith.

Judith, era una viuda muy bella y con una alta educación, y con su criada se acercó al ejército enemigo haciéndoles creer que estaba de parte de los invasores, diciéndoles que el pueblo judío estaba siendo castigado por alejarse de las leyes de Dios y que se merecía tal asedio. Tras varias conversaciones con el general Holofernes este no sólo dejó de desconfiar de ella, sino que también cayó rendido a los encantos de la viuda y decidió invitarla a su tienda de campaña para cenar. Judith aprovechó la noche para emborracharlo, y después de que éste cayera dormido bajo los efectos del alcohol, Judith aprovechó entonces para cortarle la cabeza.

Avanzó, después, hasta la columna del lecho que estaba junto a la cabeza de Holofernes, tomó de allí su cimitarra, y acercándose al lecho, agarró la cabeza de Holofernes por los cabellos y dijo: "¡Dame fortaleza, Dios de Israel, en este momento!". Y, con todas sus fuerzas, le descargó dos golpes sobre el cuello y le cortó la cabeza (Judit 13,6-8)

La fuerza visual de esta escena, ha hecho que la decapitación haya sido pintada por múltiples pintores, al igual que ha llenado multitud de páginas literarias o ensayísticas (los psicoanalistas se frotaban las manos al ver en este suceso el simbolismo de una especie de castración masculina por parte de una viuda negra).

Hay tantísimos artistas que han pintado a Judith con la cabeza de Holofernes que hacer una lista sería casi interminable, por lo que para no perderme en decenas de links prefiero poner un par de lugares de sitios que ya se han encargado de recopilarlos y me han parecido bastante correctos 1 y 2 (y aún así podría añadir cuadros que me salen de otras listas y que en estas no están, pero como ya digo ponerme en el brete de hacer una lista completa ya he comprobado al ver cuadros y cuadros sobre el tema que era una absoluta locura). Así que únicamente coloco tres de los cuadros que más me gustan, y entre medias los versos de Lope de Vega de un poema titulado Al triunfo de Judit.

El del tenebrista Caravaggio (Milán, 1571-1610).

Cuelga sangriento de la cama al suelo
el hombro diestro del feroz tirano,
que opuesto al muro de Betulia en vano,
despidió contra sí rayos al cielo.

El de Cristofano Allori (Florencia, 1577-1621)

Revuelto con el ansia el rojo velo
del pabellón a la siniestra mano,
descubre el espectáculo inhumano
del tronco horrible, convertido en hielo.

Y el de Artemisia Gentileschi (Roma, 1597 –1652). También de la escuela tenebrista y reivindicada en las últimas décadas como una de las primeras pintoras de las que se tiene conocimiento.

Vertido Baco, el fuerte arnés afea
los vasos y la mesa derribada,
duermen las guardas, que tan mal emplea;
y sobre la muralla coronada
del pueblo de Israel, la casta hebrea
con la cabeza resplandece armada

Recuerdo que una revista literaria online -tendría que buscarla para saber el nombre y no sé por donde comenzar- cogía temas clásicos antiguos e intentaba que fueran versionados desde un punto de vista actual por múltiples artistas que creaban multitud de manifestaciones nuevas, que iban desde: poemas, pinturas, relatos, microrelatos, etc). Los resultados eran francamente divertidos e innovadores. Tal vez sería interesante también pararse unos minutos a reinventar el mito de Judith y Holofernes. Por ejemplo, recuerdo que hace unos días me reía con estas versiones que están saliendo de de serie Z (con zombis). Ya me estoy imaginando un Judith, Holofernes y Zombis.

Mecánica del ingenio

Breves historias. La primera. Cuentan que cuando el papa Julio II le encargó pintar los frescos del techo de la Capilla Sixtina a Miguel Angel (Charlon Heston en El tormento y el éxtasis), le preguntaba continuamente cuando acabaría la obra. Miguel Angel enfadado le respondía: cuando la acabe”. Cuatro años de su vida le costó a Miguel Angel terminar la composición, ya que el trabajo lo realizó completamente en solitario, sin ningún ayudante. En la boveda perdurará por siglos su obra más reconocida, en la que Dios insufla vida a su propia obra: el hombre (Adán).

Cuentan también que un emperador chino pidió al sabio Chuang Tzu que dibujara un cangrejo. Chuang Tzu le dijo que para hacerlo necesitaba primero cinco años y una casa con doce servidores. Pasaron esos años y el dibujo aún no estaba comenzado. Chuang Tzu le pidió cinco años más de plazo. Habían pasado ya diez años cuando Chuang Tzu tomó por fin su pincel, de un solo trazo Chuang Tzu dibujó un cangrejo, el cangrejo más perfecto que jamás se hubiera imaginado.

Cenábamos hace unos días en el chino de debajo de mi casa unos amigos y yo, y en algún momento de la conversación uno de ellos comentó algo, sobre un artista chino que estaba entre los pintores que más dinero habían generado en el mercado artístico en el último año. El debate se montó ahí sobre si ese dato era correcto o no, ¿Podía un pintor chino que ninguno conocía ser capaz de tal hazaña? Pues sí, después de llegar a mi casa lo busqué por internet y el pintor era Qi Baishi, que aunque no lo conoce ni su madre, resulta que en el mercado artístico de subastas, el último año había quedado colocado después de Picasso y Warhol. Lo curioso es que por internet cuesta encontrar una pequeña biografía sobre este pintor chino. ¿Acaso va el arte un paso por delante de la rapidez cambiante del mundo cibernético? Francamente, no lo creo. Investigando un poco descubrí algunas causas de que se hubiera dado este hecho excepcional. El mercado artístico chino se ha abierto hace apenas unos años al mundo global, por lo que puede que haya una cierta curiosidad de los coleccionistas sobre estos pintores. Pero aparte muchos coleccionistas inflan los precios en las subastas, porque ellos mismos son poseedores ya de algunas obras del artista, y quieren así sobrevalorarlo. Nuevos millonarios chinos; una colección de cuadros de Baishi vendidos este año pasado son las causas fundamentales de esta especie de burbuja artística (habría que vigilar mucho las falsificaciones del mercado, que no dudo que con Baishi serán bastantes por su estilo).

Y hablemos del estilo de Baishi, apenas unos trazos “y con un seis y un cuatro te hago tu retrato”. No, en serio Qi Baishi hace fundamentalmente acuarelas de animales y con solo unas pocas pinceladas rápidas ya tiene el animal correspondiente pintado. Una gran mayoría de estos son gambas y por ello desde que Baishi ha alcanzado esta efímera fama, muchos críticos o internautas lo han bautizado con el divertido nombre del “pintor de las gambas” (o langostinos xD).



Las reglas del mercado artístico me suenan lejanas, cercanas a la misteriosas reglas de la bolsa, lo que yo siempre voy a valorar son las ganas del artista de explicar algo, y a veces incluso juntarse con otros para desarrollar con ganas un proyecto en común.

Dice Richard Price (guionista de The Wire y que hace poco estuvo en Barcelona)”:

"Eso es escribir: encontrar lo más urgente que hay en tu interior y explicarlo, porque lo que pase después con tu obra - que ganes un Pulitzer o que no te lea ni tu madre-es sólo cuestión de ego y puedes vivir perfectamente sin ello; pero sin escribir, sin crear: pintar, esculpir, cocinar: sin explicar eso tan urgente que no te deja dormir, nadie puede vivir plenamente.
Si has encontrado eso tan urgente que cada uno lleva dentro, no podrás contenerlo: saldrá a borbotones de ti y después arrastrará a todos los que te lean hasta convertiros en un mismo magma en el que nos reconocemos, porque todos estamos hechos de la misma putrefacta y eterna materia humana"

No lo he dicho, pero he descubierto The Wire hace muy poco y todavía me quedan unas cuantas temporadas completas por ver. El gordo Casciari dice que soy por ello un afortunado, porque aún tengo el placer de descubrirla. La verdad es que me está encantando. ¡Qué gran serie!

La voluntad de crear. Aquí van unos links colectivos. Mis felicitaciones a todos ellos por cada uno de los proyectos en los que están involucrados:

Revista literaria Prosofagia
La revista literaria de los prosófagos.

Tertulias literarias Polifemos
Un espacio mensual donde compartir la monstruosidad del arte.
(Por cierto ahora que me fijo en la promera foto que sale en lo de Literatura aborigen, salgo a la izquierda pimplándome una mediana ja,ja. Mi fiel amigo el alcohol).

Canal Lost in Barcelona
En Lost in tv te ofrecen un escaparate audiovisual sobre eventos, tendencias, personajes y gente de diferentes ciudades del mundo.


Prosófagos: la simbología de los lotófagos que comían el loto chino y perdían la memoria…
Polifemos: y “nadie” es mi nombre… (para ellos dejé el poema)
Lost in Barcelona: perdido en Barcelona… como perdido durante años en la vuelta a Itaca.


Yo, Vigo debo ser el nuevo Ulises cibernauta (O quizás sencillamente tengo alguna variedad del síndrome de Ulises que afecta a los nacidos en una misma ciudad ;p).

Guernica Gernikara

¡Ni que estuviéramos pariendo este post!

Y si fuera así, sería como esas parturientas que intentan coordinar el parto con el cronómetro para sacar de su vientre al primer bebé del año. Mañana comienza el verano… pero en realidad mi reloj vital no depende de mañana, sino que sencillamente quiero escribir un post antes de tener que salir esta noche con los habituales. Además ya va siendo hora, que ya hace un par de semanas que merodeo por la Internet sin dejar más que alguna contada constancia en algún blog amigo. Y no es como ese chiste en el que el niño se hace mayor y no dice nada, porque no tenía nada que decir, sino más bien que no encontraba el momento de ponerme a escribir.
Pero las promesas se amontonan en la carpeta de “pendientes”, y de vez en cuando conviene liberar alguna, aunque sólo sea para dejar constancia que la maquinaria sigue en funcionamiento. Así como el niño, aún puedo conservar la ilusión de cumplir las promesas que en algún momento de mi vida he hecho.
Vayamos al trapo, o al lienzo en este caso; hablemos nada más y nada menos que de Pablo Picasso, pero hagámoslo sólo de soslayo que uno tampoco está para meterse en demasiados charcos.
Quiero hablar del Guernica y dar mi humilde opinión de un conflicto que desde hace años llevo siguiendo. En abril de 1937 La legión Condor arrasó con sus bombas la población de Gernika. Se dice que Franco quiso dar un aleccionamiento sobre la población civil republicana. El hecho es que Gernika se convirtió en uno de los episodios más vergonzosos de la historia de España. Picasso que por aquellos días ya vivía en París, había recibido el encargo por el bando Republicano de pintar un mural para el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937. Picasso seguramente ya tenía pensado pintar un cuadro contra la guerra, y aprovechó la coyuntura para denunciar los hechos ocurridos en Gernika, por lo que al final fue bautizado con el archifamoso“Guernica”.
Relatar toda la historia del Guernica se me hace pesado, y más hacerlo aquí ya que no me gusta hacer los posts demasiado largos. Así que sólo menciono el detalle de que existe toda una serie de fotografías que Dora Maar –su amante fotógrafa- en la que se documenta el proceso creativo de este gran genio de la pintura.
El asunto es que desde hace años el Gobierno vasco pide que se le ceda el Guernica, sino de manera permanente, al menos temporalmente. El gobierno central en cambio niega ese traspaso alegando que al Guernica se le aplicaron una serie de ceras para preservarlo, y que los expertos aconsejan que el cuadro no se vuelva a enrollar para ejecutar su traslado, ya que existe el peligro de que se dañe. Dicen que la voluntad de Picasso es que se expusiera en El Prado, y aunque actualmente se encuentra en El Museo Reina Sofía de arte contemporáneo, que si no me equivoco apenas está a unos centenares de metros del Prado, pues si efectivamente es así se supongo que se ha de respetar la voluntad del pintar.
El asunto es que al escuchar los argumentos de una y otra parte frente al Guernica, uno tiene la sensación de estar frente a la contienda que Salomón arbitró con aquellas madres que estuvieron a punto de partir a un niño. Personalmente opino que el Guernica luciría más en el Guggenheim de Bilbao, y se me hace difícil pensar que con los métodos actuales de conservación no sean capaces de trasladar un lienzo –ya sé que de tamaño considerable- sin dañarlo. El Guernika debería ser expuesto en el Guggenheim aunque sólo fuera de forma temporal (en el link al museo hay una opción para hacer una visita virtual pero cuando lo he probado, cargaba todo muy lentamente y lo he acabado quitando). Este traslado puntual significaría intentar salvar una cuenta pendiente con la población de Gernika.
Pero si tan peligroso es llevar el Guernica, y puesto que en este caso es difícil llevar la montaña a Mahoma se me ha ocurrido una idea que tal vez podría solucionar la disputa. Tal vez en vez de llevar el Guernica, el gobierno vasco podría suplir esta obra con otra que fuera una directa consecuencia de esta. La obra a la que me refiero esta hecha por la artista alemana Lena Gieseke –ex esposa de Tim Burton- y lo que ha realizado es una virtualización del Guernica en 3D mediante un procedimiento informático.

El resultado es espectacular, porque precisamente el cubismo se presta a ello, y tal vez en especial el Guernica por ser una composición realizada en blanco y negro (Picasso utilizó pintura industrial mate marca Ripolín). Me imagino una pantalla de plasma gigante en la que se reprodujese continuamente el video de Gieseke o quizás una obra de esas que uno puede ver en tres dimensiones (antiguamente se necesitaban aquellas gafas retro de cartón con los plástiquitos rojo y verde, pero creo que ese procedimiento ya está superado). El resultado de poner la obra de Gieseke al entrar en el Guggenheim sería espectacular.




Dos notas, que en realidad dos personas con las que cené el pasado Martes, además de Jo. Sostiene Manel que haciendo el camino de Santiago pasó cerca de Gernika y vio –o le contaron- que todos allí ahora viven con grandes casas que hicieron con un dinero cobrado por indemnizaciones que se cobraron años después de los bombardeos de Gernika. Pero como a Manel no hay que hacerle demasiado caso, ni afirmo ni desmiento.
La siguiente nota en realidad es el hilo desencadenante de este post, y tiene que ver con mi querida Marteta. Escribo este post porque me permitió verla desnuda (pulmones, esófago, columna vertebral… y dos redonditas ;D en las que se adivinaban sus hermosos senos). A ella se lo dedico.
Aquí esta el hermoso Guernica que le hicimos entre todos para adornar su alita rota. Quedó bonito. El pajarraco que está entre el caballo agonizante y la cabeza de toro es mi costosa contribución al mundo del arte.



¡Yo también pinté el Guernica! Para anotarlo en la libretita de “Grandes logros de Vigo”, como también el día que corregí a Borges. Pero esa es otra historia.

Guernica Gernikara
(Traducido del vasco vendría a ser El Guernica a Gernika)

John Collier pinta a Lady Godiva

John Collier es un pintor que se le asocia al movimiento de los Prerafaelistas, al que también pertenecíeron otros como Waterhouse, Millais o Rossetti. El rasgo más característico de ellos fue la continuación en la pintura del romanticismo imperante. Ensalzaban a los escritores románticos: Blake, Shelley, Byron y Keats, mientras llenaban sus cuadros con motivos medievales.

Collier apenas ocupa una escueta reseña en las enciclopedias: nacido en 1850 y muerto en 1934; discípulo de Alma-Tadema (el pintor de motivos históricos). Fue principalmente reconocido como pintor de retratos e ilustrador de novelas.

Uno de sus cuadros más famosos es el que muestra la leyenda de Lady Godiva. No sé que tiene ese cuadro, creo que son los cabellos rojos a juego con la montura del caballo o tal vez la vergüenza que parece sufrir Lady Godiva al mantener la mirada baja, lo cual implicaría un mayor mérito de su acto. Pero si no sé detallar la causa, al menos se explicar el efecto; el cuadro me parece realmente bello.

Periódicamente, aparecen activistas desnudos cuando se protesta contra los abrigos hechos con pieles de animales. Se suele recordar entonces la leyenda de Lady Godiva, pero por si alguno va un poco despistado, copio un fragmento donde la explica.

“Cada tres años, en las fiestas populares de la ciudad inglesa de Coventry se incluye a una mujer desnuda que, montada a caballo, recorre sus calles en recuerdo de la heroína Lady Godiva La verdadera Lady Godiva fue la esposa de Leofríc, conde de Chester, con quien se había casado hacia el año 1040. De acuerdo con el cronista del siglo XIII Roger de Wendower, Godiva rogó a su cónyuge que disminuyera los impuestos que abrumaban a los habitantes de Coventry El conde accedió, pero con la condición de que Godiva atravesase desnuda las calles de la ciudad, cosa que hizo cubriéndose únicamente con su larga cabellera. Según cuentan, los habitantes, en un acto de solidaridad, se encerraron en sus casas y evitaron mirarla. Sólo la vio un indiscreto, que desde entonces fue llamado Peeping Tom, Tom el fisgón”.

Fuente: www.terra.es/personal/flromera/quien.htm